Entrevista a Lauren Faust (Traducida)

Ayer, Equestria Daily publicó la entrevista que realizaron a la creadora y directora creativa de My Little Pony: Friendship is Magic, Lauren Faust, en donde habla en retrospectiva sobre la Primera Temporada. En 32 preguntas responde todo acerca del trabajo realizado, sus visiones de la serie, el fandom, entre otras cosas.

A continuación, la entrevista íntregra traducida al español por Jimmytrius del foro Vandal, a quien entrego mis agradecimientos por el trabajo realizado (Como también Tekaramity quien hizo la entrevista):



1. Hola, Lauren. Muchas gracias por concedernos esta entrevista y hacerle un hueco en su agenda a Equestria Daily. Comencemos, pues: Antes de nada, hablemos de lo que le llevó a crear My Little Pony: Friendship is Magic. ¿Cuándo y cómo se cruzaron su camino y el de la franquicia? 

Cuando tenía seis años vi por primera vez un "My Pretty Pony" grande y de color marrón en una tienda. Por aquél entonces era la típica niña obsesionada con los caballos, pero me gustaban de un tipo muy distinto al de aquél pony, así que no me resultó demasiado interesante.

Pero cuando salieron los multicolores, no pude aguantarme. Eran demasiado monos y acabé por tener el set Pretty Parlor con Peachy, mi primer My Little Pony. Más adelante, Hasbro sacó la gama de unicornios y pegaso y ahí ya me quedó claro que no había vuelta atrás.

¿Caballos y fantasía? Me despedí de mis Strawberry Shortcake y mis Barbies y desde entonces comencé a ahorrar cada penique que conseguía para comprar todos los ponies que iban saliendo.

2. ¿Contactó Hasbro con usted para ofrecerle dirigir un reboot de la franquicia o fue iniciativa suya? En caso de que fuese lo primero, ¿qué le presentaron?

Por aquél entonces, yo le había presentado a Hasbro mi proyecto de Milky Way and the Galaxy Girls, y a raíz de ello Lisa Litch, empleada de Hasbro, me preguntó si estaría interesada en My Little Pony. Me pasó uno de sus DVDs más recientes (Princess Promenade) y me pidió que le echase un ojo para ver si "podía hacer algo con ello".

Querían hacer un reboot de la franquicia, y Lisa quería asegurarse de encontrar a la persona adecuada para semejante proyecto. Hasbro, contenta con los resultados de la adaptación al cine de Transformers por Michael Bay, estaba interesada en encontrar a gente con talento que pudiese reinventar sus otras franquicias con el mismo éxito. La promesa de plena libertad creativa y la confianza de Lisa en mí lograron captar mi atención.

3. Siguiendo con el tema, ¿qué fue lo que le animó a tomar las riendas de estas serie? ¿Qué factores reafirmaron su interés en la misma y le convencieron de que podría salir un producto de gran calidad y popularidad?

El proyecto se me antojaba sencillo a la par que divertido. Me pasé tanto tiempo jugando con estas figuras durante mi niñez que incluso pude aprovechar las historias y caracterizaciones de personajes que ideé por aquél entonces. 

Los personajes de la serie están basados totalmente en las personalidades que les asignaba a mis juguetes. Asimismo, muchas de las localizaciones que vemos están basadas en expansiones de los sets de juego comercializados durante los 80. En cierto modo, mi yo interior de ocho años fue mi inspiración.

Además, mi confianza en el proyecto fue creciendo a medida que veía que Hasbro quedaba encantada con lo que les iba presentando. Desarrollar animación para la televisión suele ser (aunque no siempre) un proceso bastante agotador y decepcionante, ya que la cosa puede acabar siendo muy distinta a lo que tenías en mente. Conozco casos de gente que ha dirigido sus propios pilotos y terminaron por ver cómo el mensaje que habían concebido terminaba por distorsionarse  o incluso llegar a no reconocer a los personajes que ellos mismos habían creado. No quería pasar por algo así.

Estaba determinada a hacer un producto de entretenimiento de gran calidad para chicas, no quería contribuír a hacer más grande la montaña de basura que son la mayoría de programa dirigidos a este público. Temía que en Hasbro pusiesen pegas al desarrollo de la serie e intentasen cambiar cosas, pero nada más lejos de la realidad. Hasbro se ha portado increíblemente bien, en ese sentido.

4. Así pues, pasó a ser la directora creativa y desarrolladora de MLP:FiM, ¡pero ni siquiera usted podría haberlo hecho sola! Necesitaba un equipo de gente con talento, creativa y llena de dedicación para dar vida a este universo.

¿Hasta qué punto le dio libertad Hasbro para seleccionar a los profesionales requeridos y así crear esta fantástica serie? ¿Pudo reencontrarse con compañeros de trabajo de anteriores series como Las Supernenas y Foster: La Casa de los Amigos Imaginarios? ¿Algún miembro del equipo en particular con quien tuviese muchas ganas de trabajar?

El desarrollo de la serie llevó un año entero, hasta que se le dio luz verde y se entró en la fase de pre-producción. Mientras desarrollaba la idea central de la misma, escribí una especie de "biblia" (de unas 40 páginas) en la que se detallaban todas las claves del proyecto. Fui contratada para hacer todo esto yo misma, así que tuve plena libertad para contratar a quien quisiese siempre y cuando respetase el presupuesto.

Contraté a dos artistas para ayudarme en la fase inicial del proyecto: Martin Ansolobehere, con quien había trabajado en Las Supernenas y Foster, diseñó unos bocetos preciosos de escenarios para mi "biblia".

Al mismo tiempo, Paul Rudish, uno de los creativos de series como El Laboratorio de Dexter y Samurai Jack, me ayudó en temas de conceptualización y desarrollo artístico. Recuerdo particularmente un boceto genial de un pegaso pateando una nube para hacer que lloviese. Eso fue lo que me dio la idea de que los ponies controlasen el clima y otros aspectos de su mundo. También fue él quien diseñó la versión inicial de Nightmare Moon. Paul es toda una máquina creativa, me sentí muy afortunada de contar con él. 

Esta primera versión de la "biblia" consistía en una recopilación de nuestros bocetos, así como de una parte escrita, de la que me encargué personalmente.

Poco después de presentar la "biblia", se me pidió trabajar más en el desarrollo visual, para lo que contraté a Dave Dunnet y Lynne Naylor. Todos los diseños iniciales de escenario de Dave (coloreados por Martin) acabaron saliendo en la serie y acabaron por convertirse en el punto de referencia de la dirección artística de la serie. Lynne se encargó de los diseños para las versiones finales de Nightmare Moon y Luna. 

Por supuesto, también conté con el apoyo de mi marido, Craig McCracken, que siempre me ayuda a contrastar ideas. Trabaje en lo que trabaje, su influencia está ahí.

Una vez terminada la "biblia" y con los diseños y descripciones de personajes, localizaciones y trasfondo bien definidos, Hasbro comenzó a tantear a diversos estudios de producción. DHX (Studio B, por aquél entonces) fue uno de ellos.

Estaba impresionada con el nivel de animación de Martha Speaks (pese a ser en Flash, consiguieron que pareciese del todo tradicional y además, tenían mucha experiencia animando cuadrúpedos), así como con la energía y el humor que desprendía la dirección de Pucca.

Cuando Studio B solicitó que Jayson Thiessen fuese el director supervisor, me convencieron de que podrían hacer lo que tenía en mente. Jayson, Wootie (James Wooton) y yo rodamos un corto de dos minutos para demostrar cómo podría quedar la serie y, más tarde, Hasbro dejó la labor de producción en manos de Studio B.

Tan pronto como la serie recibió luz verde, pude escoger a mi equipo de guionistas (aprobado por Hasbro y HUB), la mayoría de los cuales habían trabajado conmigo en Las Supernenas y Foster. El resto del equipo encargado del arte fue seleccionado por Studio B y Jayson.

Jayson fichó a Ridd Sorenson como director de arte, decisión que yo apoyé. Los actores de doblaje y compositores fueron elegidos mediante pruebas de selección, Jayson y yo escogimos a nuestros favoritos y Hasbro y HUB se encargaron del resto. Hubo un par de decisiones en las que no concordamos, pero en general todo salió a pedir de boca.

5. En los procesos de pre-producción, ¿quién tomó la mayor parte de las decisiones acerca del formato de la serie (animación Flash 2D y episodios de 22 minutos? Durante esta etapa tan importante, ¿hasta qué punto influyó DHX Media en la concepción de la serie? ¿Hubo alguna exigencia específica por parte de Hasbro en cuanto al contenido y la imagen de la franquicia?

Yo insistí en que Flash era la opción ideal y Hasbro confió en mí. Quería episodios de 22 minutos, aunque inicialmente iban a ser de 11. The Ticket Master fue el primer guión que escribimos antes de que se diese luz verde al proyecto y originalmente iba a durar esos 11 minutos. Por alguna razón que no recuerdo, Hasbro cambió de opinión, y bien que me alegré. Prefiero que duren 22 minutos.

Una vez comenzado el proceso de pre-producción, tenía todos los detalles de la serie archivados en mi "biblia". Había terminado de pulirla y ya tenía los personajes completamente definidos, sus diseños y las localizaciones principales de la serie, así como sus premisas y tres guiones enteros. Estábamos listos para empezar.

Llegados a este punto, y ya codo con codo con la gente de Studio B, procedimos a convertir esas ideas en una realidad. Fui a Vancouver a conocer al equipo y darles unas directrices generales sobre el proyecto. Ridd y sus diseñadores comenzarn a expandir la dirección artística y Jayson y Wootie se encargaron de dar vida a los personajes principales con unos impresionantes modelados Flash al tiempo que empezaban a realizar storyboards.

Mientras tanto, Rob Renzetti y yo nos pusimos con los guiones junto al resto de nuestro equipo en Los Angeles. Hasbro depositó plena confianza en nosotros, lo que fue genial, ya que nos permitió trabajar más rápido. Los únicos cambios que solicitaron fueron un par de ajustes a localizaciones con potencial de convertirse en sets comercializables, así como en cambiar los nombres de algunos lugares y personajes menores para hacerlos más "vendibles".


6. ¡Sin duda debe haber resultado excitante ver cómo las ideas iban cobrando forma! ¿Cuáles fueron sus principales retos en esta etapa? ¿Hubo cambios importantes entre la planificación del proyecto y su ejecución?

Para mí, los principales retos fueron:

1) El tiempo - Tuve que trabajar el doble de rápido que lo que había trabajado en cualquier producción anterior de este estilo.

2) Estar separada de mi equipo. Estaba en LA trabajando sola en mi oficina mientras todos (menos el equipo de guionistas) estaban en otro país. En estas etapas (cruciales) del desarrollo, lo ideal es poder trabajar día a día y muy de cerca con el resto de artistas para que sea más fácil cohesionar ideas. Nadie puede ver qué hay dentro de tu cabeza. y con tantos artistas, el resultado son ideas y estilos tremendamente diferentes entre sí.

Es trabajo del director de la serie cohesionar todo eso... y es realmente difícil hacerlo por teléfono e e-mail, especialmente cuando trabajas al doble de velocidad de lo habitual. Me sentí muy afortunada de tener a Jayson y Ridd en Vancouver. Los resultados habrían sido desastrosos si no hubiese contado con ellos para dirigir al equipo y alcanzar la meta propuesta.

Cuando el trabajo estaba hecho me lo enviaban por internet para pedir opiniones, revisiones y el visto bueno. Hubo momentos en los que me hubiese gustado haber podido hablar en persona con los artistas, pero todo tuvo que ser vía e-mail, lo que impedía una retroalimentación adecuada. Hubo mucho proceso de ensayo y error al principio, por lo que acabé haciendo muchos diseños y storyboards yo misma, al no poder explicar con palabras lo que quería ver.

Otro reto fue satisfacer las supuestas necesidades de nuestro joven público objetivo. Teníamos que lograr hacer algo más aventurero y excitante pero sin que llegase a asustar. Eso supuso un esfuerzo extra en cuanto a la construcción de la trama, muchos de los gags y, por supuesto, los diseños. Los cambios de tono también ayudaron, como por ejemplo aligerar la tensión de una escena con humor o hacer más amenazadora una escena relativamente normal gracias a la música o la dirección artística.

También existía cierto temor a que el contenido pudiera resultar ofensivo de algún modo. Tuvimos que ceñirnos a las normas Educacionales e Informacionales, y comportamientos que eran considerados correctos en anteriores series en las que trabajé, de repente eran "inapropiadas para los niños". Algo como Rainbow Dash llamando "empollona" a Twilight fue rozar los límites, prácticamente. Incluso la simple idea de Applejack haciendo trampas preocupaba algunos... fue duro crear humor con semejantes limitaciones.

Los principales cambios vinieron por parte de la animación. Jayson y Wootie superaron con creces mis expectativas e hicieron cosas en Flash que yo consideraba del todo imposibles. Recuerdo poner notas en algunos storyboards del tipo "Revisad el escenario, esto es imposible en Flash" y recibir como respuesta "No. Podemos hacerlo"... y lo hicieron. También creo que le dieron un enfoque interesante a la dirección artística, ya que la mayoría de series dirigidas a chicas son excesivamente brillantes, muy recargadas y con demasiaaaaaada tendencia a usar el rosa. Creo que los encargados del color han conseguido algo 100% femenino pero muy atractivo y nada empalagoso.

7. Cuéntenos algo sobre los principales contributores en esta etapa de la creación de la serie. Jayson Thiessen fue el director supervisor de la primera temporada y ahora ha tomado su relevo como punta de lanza en la segunda. Como director supervisor, ¿cuál fue su principal responsabilidad? ¿Cómo funcionaba la cadena de mando desde Hasbro hasta ustedes dos?

Rob Renzetti contribuyó notablemente, al igual que Ridd, Jayson y Wootie. Rob y yo nos encargamos del desarrollo de guiones en Los Angeles. Una vez los terminamos y fueron aprobados por Hasbro y THE HUB, empezamos a grabar y se los pasamos a Jayson y Wootie para que se pusiesen con las labores de producción.

Jayson supervisaba a su equipo en Vancouver y me mandaba lo que iban haciendo (diseños, color, storyboards, animaciones, etc) para que lo revisase. Tras recibir mi aprobación, todas estas cosas pasaban por manos de Hasbro y THE HUB por si hacía falta cambiar algo.

8. Rob Renzetti ha trabajado en muchas series en las dos últimas décadas, como 2 Perros Tontos, El Laboratorio de Dexter o Mi Vida como una Robot Adolescente. ¿Cómo colaboró con él en su papel de editor de guiones y cómo fue el proceso de toma de decisiones importantes?

¡Me puse contentísima al saber que tendríamos a Rob en el equipo! Tiene muchísimo talento, y al haber dirigido su propia serie en el pasado, cuenta con mucha experiencia y conocimientos. Entre Rob y yo construímos todas las premisas de la trama. Una vez aprobada, Rob y yo decidimos a quién asignar cada guión y nos pasamos un día entero con el escritor, los tres solos, planeando juntos la historia de cada capítulo.

Los escritores comenzaron su labor. Rob y yo les pasábamos notas y revisiones de vez en cuando. Tras más revisiones por parte de Hasbro y THE HUB, los guiones fueron enviados a Studio B para la siguiente fase de producción.

9. Sarah Wall es la productora de Friendship is Magic y otras producciones de DHX Media. ¿Qué papel jugaron ella y los demás miembros de DHX en la serie? ¿Qué aspectos de la primera temporada fueron influenciados por sugerencias del propio personal?

Sarah se ocupa de la producción diaria, los presupuestos y los plazos. Ella y su personal de producción se aseguran de que los artistas tienen el material que necesitan cuando lo necesitan. Siento un profundo respeto por el trabajo de los productores, siempre tienen muchas cosas entre manos.

En cuanto a las sugerencias del personal, de vez en cuando organizábamos "brainstormings" en LA con la intención de sacar nuevas ideas. Los guionistas aportaron muchos personajes totalmente definidos y las peculiares formas de dibujar algunas poses y expresiones de algunos artistas fueron tomadas como guías sobre cómo diseñar personajes en el futuro. Todas estas aportaciones se archivaban constantemente a modo de referencia.

10. Ridd Sorensen es el director de arte de la serie. ¿Nos podría decir qué detalles de diseño proceden de este señor, de las especificaciones de Hasbro y de sus propios bocetos originales? ¿Hasta qué punto cambió el diseño y estilo de la serie desde su concepción original?

Los diseños iniciales de escenarios corrieron a cargo de Dave Dunnet. Fue una suerte contar con él para el piloto y que diseñase localizaciones como las ruinas del Everfree Forest. Yo diseñé a todos los ponies principales y secundarios, así como a Spike, y no cambiaron nada respecto a lo mostrado en la "biblia". Tras el piloto, Ridd y su equipo siguieron desarrollando el estilo de la serie bajo mi supervisión. En general, no creo que la dirección artística haya cambiado mucho, simplemente fue evolucionando y refinándose cada vez más.

Hasbro se limitava a revisar aquellas localizaciones que tuviesen potencial para convertirse en un set de juguetes. La boutique de Rarity fue rediseñada varias veces. También había momentos en los que estaban trabajando en juguetes que querían que apareciesen en la serie. El globo aerostático fue introducido de este modo, mismamente. En ocasiones nos pedían que insertásemos localizaciones concretas, como por ejemplo una escuela, pero nos dejaban total libertad para diseñarlas y también para encajarlas en la historia de manera que no pareciese que estaban metidos con calzador. Se portaron muy bien en todo momento.

11. Daniel Ingram y William Anderson son los responsables de las geniales canciones y bella música de MLP:FiM. ¿Puede contarnos cómo usted y el resto del equipo se coordinaban con ellos en lo referente a ideas, objetivos y demás? ¿Cómo se las arreglaron para adaptar sus creaciones a la serie?

La necesidad de incluir o no canciones en un episodio es algo que se decidía en las reuniones. Rob, el escritor y yo pensábamos qué información necesitaba comunicarse en cada canción y debatíamos sobre el estilo que debería tener cada uno de estos números. Luego cada guionista escribía sus propias letras para las canciones. Cuando dichas letras eran aprobadas junto con el resto del guión, Daniel entraba en escena.

Por lo general, primero le daba unas pequeñas instrucciones y luego volvía con una grabación (generalmente con una cantante provisional). A veces improvisaba pequeños cambios en las letras para que pegasen mejor con la música. No recuerdo haber tenido que corregirle nada en particular, salvo cuando tuve que pedirle que el tema de las Cutie Mark Crusaders sonase PEOR... ¡Pobre Daniel! Pero, debido al guión de ese capítulo, era imprescindible que su actuación fuese objetivamente mala. Una vez se aprobaron todas las canciones, Daniel se puso con las versiones finales.

Will y sus composiciones vinieron después. Una vez la animación estaba más o menos en su fase final, me reunía con Will en su estudio y Jayson y Wootie se nos unían mediante Skype. Entre todos, repasábamos los episodios y le decíamos a Will lo que queríamos escuchar y dónde. Fue un proceso de colaboración pura y dura.

12. Friendship is Magic es un trabajo muy mimado que involucra a cientos de personas, y por ello, los fans apreciamos profundamente el trabajo realizado por todos y cada uno de los miembros del personal, así como la excelente labor de promoción por parte de THE HUB. No obstante, siempre hay aspectos del trabajo interno que pasan injustamente desapercibidos... por ello, y a favor de los miembros del equipo menos conocidos, ¿nos puede comentar algo que del proceso de creación que haya beneficiado enormemente a la calidad global de la serie más haya de lo que podemos ver a simple vista?

En cualquier momento, un diseñador cualquier podía improvisar algo que no se me hubiese ocurrido, o un animador podría añadir un gag de su propia cosecha para ayudar a definir aún más la serie. Los dobladores también aportaron mucho de su parte a los personajes a base de improvisaciones. Es un proceso orgánico en el que todos estamos involucrados y todos colaboramos para hacerlo lo mejor posible.

13. Muchas gracias por compartir con nosotros todo estos detalles, Lauren. Si no le importa, nos gustaría abordar el tema de la estructura de la primera temporada. Antes de nada, ¿cuánto tiempo pasó desde el período de creación al de producción ¿Y desde la producción al estreno? ¿En cuántos episodios se trabaja simultáneamente? ¿Por qué se dejaron algunos episodios para la segunda temporada?

Un episodio de 22 minutos puede llevar casi un año dede su concepción hasta su finalización. Una serie se suele emitir un mes después de que se ultimen todos los detalles. Hubo un momento en el que llegamos a estar trabajando en los 26 episodios de la primera temporada al mismo tiempo, y una vez se dio luz verde a la segunda, la cifra se incrementó hasta 32.

"Congelar" episodios es el pan de cada día en los procesos de producción. Tienes que dejarlos congelados para asegurar que nadie está de brazos cruzados sin hacer nada. Por ejemplo, cuando un diseñador de personajes acaba con el episodio 12, no podemos despedirle y esperar que siga disponible cuando el episodio 13 esté listo. El guión del episodio 13 necesita estar hecho cuanto antes, y el guión del 14 necesita estar listo sólo una semana después.

Es como una cadena de montaje. Cada semana teníamos que tener listo un nuevo episodio, así que todos teníamos trabajo que hacer. Es bastante agotador para los que supervisamos todos los aspectos de la serie. En una misma semana tenía que crear nuevas premisas, mandar notas sobre un guión, revisar diseños, grabar un episodio, corregir un storyboard, dar mi impresión sobre composiciones musicales, etc. Para más inri, cada uno de esos aspectos correspondía a un episodio totalmente distinto.

En la mayoría de producciones, estas cosas llevan dos semanas, pero aquí tuvimos que hacerlo en la mitad de tiempo. Nunca antes había trabajado tan rápido.

14. ¿Cuáles fueron sus mayores sensaciones de triunfo durante las primeras etapas de producción? ¿Cuáles fueron las mayores dificultades a las que tuvo que hacer frente? ¿Qué cosas salieron mejor o peor de lo que inicialmente estimaban?

Había cierto escepticismo y preocupación en torno a la secuencia de apertura del piloto. Algunos pensaban que esa manera de empezar haría que los espectadores no se interesasen por la serie. A mí me encanta esa escena y el "feeling" que transmite. Me alegra mucho de que se conservase.

Las personalidades de Pinkie Pie y Rainbow Dash también preocupaban a más de uno. Rainbow Dash parecía ser demasiado "marimacho" como para que el público objetivo se identificase con ella, y también se pensó que Pinkie Pie podría resultar irritante o fuera de lugar. Incluso hubo muchas discusiones en torno al acento de Applejack. Me pasé mucho tiempo insistiendo en que serían personajes muy queridos.

En el caso de Pinkie, una vez que todos se convencieron de que no era tan irritante, la hicimos tan alocada como yo tenía en mente a medida que avanzaba la temporada. Hasbro confió en nosotros y no les decepcionamos.

Lo que superó mis expectativas, como dije antes, fue la animación. Los resultados fueron mucho mejores de lo que esperaba. Tras ver los primeros clips de vídeo a los que tenía que darles el visto bueno, me caí de la silla, literalmente. Y las canciones de Daniel Ingram fueron más grandiosas de lo que jamás habría podido imaginar. Las dobladoras pusieron el broche de oro a los personajes. Tabitha St. Germain, por ejemplo, dotó a Rarity de un temperamento tan inesperado como brillante.

En cuanto a las cosas que no salieron como se esperaba... no es fácil de decir, al menos no a estas alturas. Los primeros episodios tenían algunos detalles mejorables aquí y allá, pero era de esperar. Siempre se tarda algunos episodios en cogerle el aire a la serie, como desarrollador. Salvo pequeños detalles como algunos diseños de personajes que no me gustaron mucho o algunos gags que me parecieron mejorables, no hay nada que criticar.

15. La temporada empezó con un episodio doble que hacía de introducción al mundo de Equestria, desvelando la historia de Twilight Sparkle, su viaje a Ponyville y su triunfo sobre Nightmare Moon con la ayuda de sus nuevas amigas y las virtudes representadas por los Elementos de la Armonía. Después, la temporada continuó a base de pequeñas historias. ¿Por qué escogieron un inicio así? ¿Cuál cree que fue la principal ventaja de ese cambio de estilo? Por el contrario, ¿cuáles cree que hubieran sido las ventajas de hace toda la temporada con capítulos con continuidad?

Esta es una buena oportunidad para aclarar un poco cierto rumor. Algo que dije en Deviantart acabó derivando en que muchos fans pensasen que tenía en mente una serie más ambiciosa, dramática y de corte "Magical Girls". Ciertamente, mi intención siempre había sido hacer de la serie algo más centrado en las aventuras y algo menos en cuanto a las relaciones entre personajes. Pensaba hacer que al menos la tercera parte de la serie se compusiese de episodios como Dragonshy o la parte final de Feeling Pinkie Pie Keen, pero al final se quedó en torno a la cuarta parte.

Hay varias cosas que justifican esto, por ejemplo, restricciones en cuanto a lo que se consideraba que podría asustar a los niños y niñas, algo que nos puso muchas limitaciones a la clase de historias que podríamos contar. El acelerado plan de trabajo también hizo difícil crear episodios con tramas más profundas, y muchos de los nuevos personajes y localizaciones suponían una carga para el personal del equipo, de cara a mantener el ritmo.

Si hubiésemos intentado hacer cosas más profundas, habrían quedado a medio gas y dado que tenemos un personal tan especializado en el humor, consideramos que la decisión más natural era centrarse en ese aspecto.

No creo que las consecuencias de este cambio de estilo se notasen en la primera temporada, excepto por la variedad de tipos de historias. El tono humorístico no habría sido distinto, y las grandes expectativas puestas en que la serie apostase por ese otro estilo en posteriores temporadas me hizo desear poder hacer que algunos de sus personajes viesen cumplidos sus objetivos más ambiciosos, pero en el fondo, siempre quise que esta serie tuviese un alto componente comédico.

Si hubiésemos introducido más aventuras, la única diferencia que se me ocurre es que quizás habríamos visto más a Luna y a Zecora. Zecora fue diseñada como una especie de sabia y mentora a la que las ponies acudirían en busca de consejo. Fue pensada como una segunda mentora de Twilight, pero al final no pudo ser. Y Luna estaba muy asociada a lo conceptos de la oscuridad y la noche, los cuales alguna gente parece considerar inapropiados para una serie destinada a un público infantil, así que tuvo que ser dejada a un lado.

16. ¡Gracias por esa última aclaración! Esperamos que sirva para acallar ciertas habladurías. En cuanto al alma de la serie, podemos decir que son sus entrañables personajes. A diferencia de anteriores versiones de la serie, se ha puesto un especial interés en desarrollar las personalidad de las seis ponies principales (¡Y Spike!). ¿Cómo han conseguido crear un elenco tan variado y de composición tan creíble?

No creo que ningún equipo de guionistas se siente a planear el tener buenos personajes o no. Todos quieren buenos personajes, aunque no todos lo consiguen. Nosotros tuvimos un gran equipo y lo logramos. No es por echarme flores, pero las bases de estos personajes son las anotaciones de mi "biblia". Yo diseñé y describí a estos personajes con sus pros y contras, los guionistas partieron de estas ideas y las desarrollaron en sus guiones, las dobladoras hicieron lo propio con sus voces y los animadores con sus expresiones y lenguaje corporal.

Supervisé estos aspectos con especial atención (sobre todo en los comienzos de la serie) para asegurar una total cohesión de ideas, haciendo cambios cuando la situación lo requería. Por ejemplo, insté a los miembros del equipo a mantener los gags absurdos como algo exclusivo de Pinkie. Aporté directrices sobre cómo hacer que Fluttershy y Twilight resultasen graciosas, y Rarity precisaba de atención especial para no acabar convertida en un personaje cliché. Yo creé a estos personajes y sentí que debía protegerlos.


17. Sus trabajos denotan un gran fervor por las historias impulsadas principalmente por sus personajes. ¿Que la impulsa a defender ese estilo y por qué persigue sus sueños y aspiraciones? En resumen, ¿qué espera obtener Lauren Faust y qué espera dejar atrás?

Defiendo las historias desarrolladas en torno a los personajes y el humor porque es lo que me gusta ver y lo que me gusta hacer. Considero que conseguir una reacción emocional por parte del público es la clave a la hora de contar una historia, y no puedes evocar dichas emociones sin unos personajes creíbles y que gusten. Algunas series se centran en los chistes y los gags con el único fin de hacer reír, pero yo prefiero que la comedia tenga un nucleo emocional sincero... y que el humor que venga de los propios personajes, no de sus frases.

Mi sueño sigue siendo el mismo, crear entretenimiento de calidad para chicas. Considero que no hay suficiente, aunque también tengo razones algo más, digamos, egoístas para ello. Cuando pienso en algo que quiero contar o en una experiencia que quiero compartir, mis ideas suelen ser puramente femeninas, porque soy una mujer y me niego a creer que el hecho de que algo sea femenino se tome como indicador de que no merece la pena. Si puedo distorsionar en lo más mínimo la percepción de que "para chicas" es sinónimo de "baja calidad", entonces estaré muy satisfecha.

18. Los ponies son sin duda el corazón de la serie, pero el mundo en el que viven, aunque rico en mitología y fantasía, hace alardes de tecnología relativamente moderna. ¿Qué clase de estrategia creativa se siguió a la hora de recrear el reino de Equestria? ¿Cómo enfocó el equipo este equilibrio de mitología fantástica y tecnología moderna?

Siempre quise que la tecnología por defecto que aparece en la serie fuese de naturaleza medievale, pero dado el caracter informal de la misma, pensé que se podía dejar cierto margen para la inclusión de cosas más inusuales. Creo que simplemente tiene que ver con mi nivel de confort personal con respecto a cada historia. Si se trata de algo que requiera ponerse técnicos con el funcionamiento de la tecnología primitiva, pienso que no vale la pena.

Es decir, si necesitamos cámaras, creamos cámaras que sean fáciles de usar por una criatura que carece de dedos. Y si necesitamos aparatos eléctricos, pues ya nos encargaremos de crear algún mecánico unicornio. Sin embargo, suelo insistir en que esto debe dejarse siempre como último recurso, es decir, no pongas interruptores de luz donde podrías poner una vela sólo porque te da pereza y tampoco dibujes una pata rodeando de forma antinatural el mango de un paraguas porque no te apetece comerte el coco.

En general, no se trata de un enfoque estricto y tampoco es necesario que exista una consistencia total. El humor y la facilidad para contar la historia siempre deben tener prioridad sobre factores más técnicos.

19. Consideramos que hicieron ustedes gala de una gran previsión durante el proceso creativo. Aparte de la nueva forma de dirección de capítulos, ¿con qué frecuencia cambiaban los planes iniciales durante el transcurso de la primera temporada? ¿Cuáles fueron las principales razones para justificar semejante cambio?

Tanto el desarrollo de la serie como la animación de la misma gozarón de un gran nivel de planificación desde el principio, pero lo cierto es que, llegados a cierto punto, una vez que la producción estaba en su punto álgido, tocó improvisar varias cosas sobre la marcha. Tuvimos que darnos prisa en conseguir que las historias fuese aprobadas y diesen el salto a la fase de producción cuanto antes. A día de hoy lamento no haber tenido más tiempo para planificar y pulir algunas cosas.

20. Guau. Todo eso debe haber sido agotador, ¡pero le garantizo que los resultados finales han hecho que valiese la pena! ¿Qué considera lo más gratificante de su trabajo en la primera temporada y por qué?

En lo personal, me resultó genial ver cómo todas las ideas que había tenido durante años sobre crear historias absorbentes para chicas cobraban forma ante mis ojos. Gran parte del contenido de MLP refleja lo que llevo intentando lograr desde mis comienzos en el mundillo. Fue sensacional ver que funcionase y que la gente lo disfrutase.

21. Imagino que semejante éxito propició ingentes cantidades de respuestas por parte del público. ¿Alguna virtud o fallo en concreto que la gente mencionase con frecuencia en cartas, e-mails y demás?

Sin duda, la respuesta más común era del tipo "Soy un tío y adoro esta serie, ¿qué has hecho conmigo?". Incluso he recibido cartas de militares que confiesan ser grandes fans de la serie, ¡fue una agradable sorpresa! También he recibido mensajes de gente que asegura que la serie les ha ayudado a salir de depresiones, lo cual me pareció muy emotivo.

Particularmente adoro recibir cartas en las que los padres dicen que no hay nada mejor para compartir con sus hijas. Otras respuestas de las que estoy muy orgullosa son las de jóvenes artistas femeninas que dicen que la serie les ha animado a crear sus propias historias e incluso plantearse entrar en el mundillo de la animación.

22. ¿Puede describirnos cómo influyeron en su labor de dirección las reacciones de los medios informativos? Al principio hubo muchos comentarios cáusticos hacia la serie, generalmente propiciados por falta de información o malentendidos. Sin embargo y con el tiempo, la cantidad de impresiones positivas de la serie ha aumentado de forma considerable. ¿Qué opina de estos artículos (tanto de los positivos como de los negativos) y por qué cree que la percepción general de la serie ha cambiado?

Cuando acepté este trabajo, sabía que la típica reacción de "Buaj, que cursilería" era inevitable. Incluso contaba con que hubiese gente que odiase la serie sin haberla visto siquiera. Por lo tanto, cuando esas primeras críticas infundadas aparecieron me sentí decepcionada, por supuesto, pero en ningún caso me pilló por sorpresa. Simplemente en centré en pensar que al menos las chicas ya tenían una serie decente que ver, en lugar de preocuparme por lo que pensase una gente que no tenía nada que ver con nuestro público objetivo. Sabía (o más bien, creía) que no conseguiríamos hacer cambiar de opinión a esta gente, por muy buena que fuese la serie.

23. ¡Desde luego, eso fue todo un logro! Está claro que cualquier debate sobre MLP:FiM no estaría completo sin mencionar el fenómeno internetero por excelencia de 2011: ¡Los Bronies! Yo soy un brony, señorita Lauren, al igual que muchos otros miles de fans que van desde los adolescentes hasta los adultos. ¿Cuándo fueron conscientes del fenómeno brony? ¿Hasta qué punto indagaron en el tema a medida que avanzaba la primera temporada?

Oh, bueno, me averguenza reconocer que no sabía qué era 4chan hasta que leí comentarios sobre un episodio que había sido subido a Youtube. Alguien comentó que la gente estaba totalmente alucinada con la serie en 4chan, así que me dispuse a echar un ojo y ¡GUAU! ¡Menuda sorpresa! Me dediqué a mirar la web regularmente (ignorando los contenidos más desagradables en la medida de lo posible) y se lo enseñé a otros miembros del equipo. Luego llegaron Equestria Daily y Ponychan ¡No podía creerme lo rápido que se estaba extendiendo el fandom y la creatividad que surgía del mismo! Fue un FASCINANTE giro de acontecimientos.

24. ¿Qué fue lo que más le sorprendió de este fenómeno Brony? ¿Qué reacción causó en el equipo? ¿Cuáles fueron los aspectos más alentadores de esta nueva fanbase? ¿Qué dificultades logísticas trajo consigo?

La forma en la que crecía, crecía y crecía... ¡era como una especie de revolución de la amabilidad en Internet! Nunca deja de sorprenderme. Creo que la sorpresa de esta fanbase aumentó la moral del equipo y nos ayudó a seguir cuando nos fallaban las fuerzas. No obstante, no afectó a la dirección de la serie más allá del tema de los ojos de Derpy. Todo lo relativo a la primera temporada y el comienzo de la segunda ya estaba escrito y en proceso de producción cuando el fenómeno Brony tuvo lugar. No podíamos cambiar nada a esas alturas.


25. THE HUB ha estado haciendo un verdadero esfuerzo por llegar a los bronies en los últimos meses. ¿Qué opina de este choque de audiencias? ¿Se ha pensado algo de cara a unificarlas? ¿Cuál cree que será la tendencia en el futuro respecto a este tema? En resumen, ¿cómo afectan los bronies a los ponies con sus compras sus debates, sus fanarts y demás?

A medida que nos acercábamos a la segunda temporada, sentimos que habíamos atraído a esta audiencia inesperada mediante la misma estrategia usada para atraer a las chicas y a sus padres, por lo que no creímos necesario que hubiera que cambiar el enfoque de la serie. Si algo no está roto, ¿por qué repararlo? Sin embargo, la existencia de los Bronies me dio la esperanza de que algunas de las restricciones que tuvimos en la primera temporada pudieran no seguir vigentes en la segunda o que por lo menos aumentasen aún más el margen creativo de que disponemos. No por capricho, sino porque consideraba que dichas restricciones estaban empezando a dejarnos sin ideas nuevas por explorar.

26. Gracias por sus respuestas, Lauren. Sethisto, Cereal Velocity, Phoe y yo, apreciamos enormemente su franqueza. Antes de que esta entrevista llegue a su fin, ¿podríamos tocar ciertos menores, si le parece bien? ¿Con qué frecuencia visita Equestria Daily y otros sitios webs mayoritarios dedicados a la serie?

Echo un ojo a Equestria Daily casi a diario, y visitaba Ponychan cuando los episodios iban estrenándose para ver qué opinaba la gente. Los considero fuentes de información muy valiosa, ¡y también son muy divertidos! En alguna ocasión me he unido a algún debate e incluso he soltado spoilers por diversión ¡Viva el anonimato! Siempre estoy acechando, así que... ¡vigilad lo que decís!

27. ¡Guau, muchas gracias! (¡Y muy inteligente por su parte!) ¿Qué opina del resto de la fanbase? Fanarts, música, vídeos, etc... Tanto usted como otros miembros del equipo responsable de FiM se han mostrado muy activos en sitios como Deviantart y Facebook. Este gran nivel de comunicación e interacción con los fans ciertamente resulta de agradecer. ¿Con qué frecuencia sigue el desarrollo del fandom? ¿Querría dedicarle algunas palabras a aquellos que lo hacen posible?

No quiero decepcionar a nadie, pero me temo que no leo fanfics, sencillamente no tengo tiempo y tampoco quiero influenciarme por accidente. Por otro lado adoro los fanarts, los fan comics, los juguetes personalizados y los mashups de Youtube. Me impresiona la cantidad de gente con talento que hay ahí fuera.

28. ¡Muchas gracias Lauren, créame cuando le digo que apreciamos enormemente su apoyo! Ahora, una vez más, nuevos horizontes se abren ante usted, horizontes desconocidos para todos nosotros. En la medida de lo que le sea posible, ¿podría decirnos que podemos esperar de Lauren Faust en los meses y años que están por venir? ¿Cuál será su siguiente paso? Y aún más importante, ¿cómo y por qué abrirá ese camino que tiene por delante? ¿Cómo han influenciado los ponies su filosofía y perspectiva? ¿Cuál cree que será su mejor recuerdo de su etapa como pastora del rebaño pony?

Tengo muchas opciones abiertas ahora mismo y estoy esperando a ver cuál resulta más prometedora. Todavía sigue resultando difícil vender animacion para/sobre chicas, pero MLP es algo a lo que puedo mirar con orgullo y como ejemplo de algo exitoso. La gente no creía que una serie para chicas pudiese ser divertida y conseguir que incluso los chicos la siguiesen... y aún así, ahí están Las Supernenas y FiM, demostrando que un rato puede caer dos veces en el mismo sitio.

Lo que más perdurará en mí con respecto a esta serie será el concepto de "sueños que se hacen realidad". No sólo ha sido una oportunidad de dar vida a uno de los aspectos más inspiracionales de mi infancia tal y como lo había soñado desde que jugaba con los ponies de niña, también ha sido una opotunidad para probar mis teorías acerca del entretenimiento para chicas.

Ver que funcionase tan bien, hasta el punto de atraer a una audiencia inesperada, fue todo un plus para la experiencia. Sin embargo, también llevaré siempre conmigo la tristeza que sentí cuando me di cuenta de que tenía que dejar el proyecto. Fue una terrible y dolorosa decisión. Todavía duele... y creo que seguirá doliéndome en el futuro.

29. Definitivamente se la echará de menos, Lauren. Muchas gracias por la labor que ha realizado hasta ahora. ¿Cómo cree que FiM acabará cuando llegué su (tristemente inevitable) final? ¿Qué cree que podría ocurrir en un hipotético episodio final? O llevándolo a un terreno más personal, ¿qué le gustaría que ocurriese? ¿Cuál sería su idea ideal para un último episodio?

No es mi intención decepcionaros, pero, dado que no estaré involucrada, realmente no sé qué esperar de la serie cuando llegue a su fin... tenía mis propias ideas al respecto, con ciertos personajes cumpliendo con sus destinos. Sólo una parte de esas ideas estaban bien construídas, las demás esperaba desarrollarlas a medida que la serie progresase. Prefiero no hacer públicas esas ideas, ya que podrían afectar negativamente a la impresión de lo que se haga al respecto cuando llegue ese momento. Además, me mosquea pensar que no podré hacerlas realidad.

30. ¿Hasta qué punto cree que la serie ha alterado el estereotipo de las series para niñas? Friendship is Magic es todo un paso adelante en lo que se refiere a demostrar que el concepto de estas no está reñido con la calidad y el buen hacer. ¿Cuál cree que es el siguiente paso para destrozar del todo ese estereotipo?

Creo que la serie puede haber abierto las mentes de algunos personas, pero creo que todavía hay mucho camino por delanye. Tengo curiosidad por ver cómo evolucionan aquellos niños y niñas que crezcan viendo esta serie. Quizás el haber disfrutado de la misma les hará menos reticentes ante otras series de este estilo a medida que se hagan mayores, e incluso quizás algunos se sientan inspirados a crear cosas similares.

El siguiente paso es seguir en la misma dirección. Los estudios y las cadenas necesitan darle una oportunidad a los conceptos femeninos, la gente que crea esta clase de productos necesita que se les dé más oportunidades y el público necesita dejar sus ideas preconcebidas a un lado y darle un voto de confianza a la series de carácter femenino. De algún modo hay que lograr hacer desaparecer la idea de que el hecho de que te guste algo femenino es algo de lo que avergonzarse.  Esto último creo que es lo más importante de todo.

31. ¿Qué distinciones cree que deberían hacerse (o no) entre "series para chicos", "series para chicas" y "series familiares"? ¿Por qué cree que existen esas distinciones a día de hoy? ¿Cómo piensa que puede influir en las mentes de los ejecutivos y responsables de marketing de estos programas la existencia de los bronies? ¿Qué cree que hace falta para reducir ese muro existente entre géneros y que los hombres y las mujeres sean considerados iguales como seres humanos?

Siempre he defendido la idea de entretenimiento "para todas las edades", series que sean disfrutables por hombres y por mujeres, por niños y por adultos. Pero por desgracia, la percepción actual es la de que si el protagonista es una chica o gran parte del plantel de personajes son chicas, es una "serie para chicas". Y por norma general, cuando algo está pensado para ambos géneros, suele significar que la mayoría de personajes son chicos... con suerte puede haber un par de chicas en el grupo. Espero que algún día los personajes femeninos sean tratados como se merecen.

También es cierto que es difícil ignorar el hecho de que algunos contenidos específicos atraen más a las chicas que a los chicos. Creo que eso también está bien y puede ser divertido. El problema es que se piense que no pasa nada porque una chica vea una serie o película sobre chicos, pero que en cambio se vea raro que un chico vea una serie o película sobre chicas.

En mi opinión, la principal razón de que esto siga siendo así y no se hagan más "cosas de chicas" es que, por lo general, la gente que vive de los beneficios de este sector quiere asegurar sus inversiones y sabe que conseguirán más audiencia (y por tanto, más beneficios) haciendo "cosas de chicos".

Lo único que cambiará esto es el apoyo. El público es quien emite las valoraciones y genera los beneficios, que es lo que buscan los hombres de negocios. Si te gusta una serie sobre chicas, sigue viéndola y compra lo que oferta. Difunde la palabra, no te averguences de tus gustos y apoya abiertamente a los artistas que lo hacen bien. Esta clase de cosas sirven para que la gente que maneja el dinero le den una oportunidad a esta clase de productos.

El muro existente entre géneros se hace cada vez menor, pero todavía sigue siendo muy grande. Si miras a tu alrededor aún hay chicos que insultan a otros comparándolos con chicas ("¡Vamos, señoritas!") o que alaban a las chicas comparándolas con chicos ("¡Dibujas tan bien como un chico!"... esto me lo dijeron en mi época de estudiante).

Sobre qué hace falta para que los géneros lleguen a una situación de igualdad... es una pregunta que yo también me hago. No tengo ni idea. Pero creo que el primer paso radica en que cada uno evalúe su propia actitud y ponga algo de su parte para que las cosas mejoren, aunque sólo sea en lo concerniente a sus vidas y a la forma en la que tratan a aquellos que les rodean.

32. Muchísimas gracias por tomarse la molestia de responder a estas preguntas, así como por crear algo tan mágico como MLP:FiM. Nuestro aprecio por la serie sólo es equiparable al que sentimos por usted. A usted y al resto del equipo responsable de la serie: GRACIAS. Muchas gracias.
Esto concluye nuestra entrevista retrospectiva de la primera temporada. En nombre de todos los fans, le deseo lo mejor. Y si tiene algo más que quiera compartir con nosotros, por favor, no dude en hacerlo.

¡Un gran, enorme y tremendamente sincero agradecimiento para todos los que ven la serie! Esta clase de reacción por parte de los fans es con lo que todo artista sueña pero no cree que llegue a ocurrir nunca. Siempre tuve el temor de que la sangre, sudor y lágrimas (bueno, sangre no...) vertidos en la creación de esta serie pase sin reconocimiento alguno, como ocurre con muchas otras. Vosotros hacéis que valga la pena, y no puedo agradecéroslo lo suficiente.